domingo, 19 de febrero de 2017

Estreno de "La Bella y la Bestia": Semejanzas con la cinta animada (1991-2017)

En noviembre de 1991 se estrenó en EE UU la cinta animada La Bella y la Bestia, que se convirtió en un clásico instantáneo y en la primera película de animación -y única en la historia- que logró la nominación al Oscar más importante: el de mejor película. Aún es hoy uno de los clásicos de Disney más queridos por públicos de muy diferentes edades.

Justo en el 25 aniversario, en noviembre de 2016, Disney lanzó el primer tráiler completo de la nueva versión en imagen real, con Emma Watson en el personaje de Bella y Dan Stevens en el de Bestia. Ese tráiler causó un auténtico terremoto en Internet, como contamos en este blog: sus 127 millones de visitas en el primer día de exhibición lo proclamaron el tráiler con más éxito de toda la historia. La fecha del estreno mundial está ya próxima: el 17 de marzo de 2017 (número mágico: 17.3.17), con una Emma Watson como absoluta protagonista de la historia.

¿Cuál de las dos versiones será mejor? Muchos pensaban que sería imposible igualar el encanto del filme animado, pero después de ver el tráiler, bastantes críticos apuestan ya por la cinta de imagen real. Y es que en ese adelanto se intuyen dos puntos novedosos e interesantes:

- Bella es ahora más inquieta, más intelectual y más dueña de sí misma. Se nos dice que es inventora, no una mera ayudante de su padre. Prefiere leer a quedarse esperando que le digan lo que tiene que hacer, y por eso llega a inventar hasta una especie de protolavadora. También resulta más práctica: en vez de zapatos lleva botas para trabajar o correr en el campo, y usa zapatos de tacón bajo para moverse bien en el enorme salón de baile.

- Se profundiza más en el retrato de los personajes. Desde Gastón a la mítica Señora Potts -pasando por Bestia mucho más perfilado-, todos los personajes son ahora más ricos y complejos: tienen tres dimensiones. No se quedan en el esquematismo de la fábula original. Y quizá, por eso, la historia resulta más matizada y hasta un poco más oscura.

Conocemos también un detalle que cautivará a muchos: la cinta conserva sus míticas canciones. A diferencia de otros cuentos traslados a acción real, como La Cenicienta o El libro de la selva, La Bella y la Bestia seguirá siendo un musical. Y además de las baladas originales, añadirá otras tres nuevas. Será una delicia volver a escuchar su emotiva banda sonora.

Como preparación para el día del estreno, se ha publicado en Internet un vídeo que compara los dos tráilers: 1991 y 2017. En él se puede apreciar la enorme cercanía entre ambas cintas; y, a la vez, las nuevas aportaciones que veremos en los personajes. Te animo a que veas este precioso montaje.

viernes, 10 de febrero de 2017

Las 25 mejores películas románticas

A nadie se le escapa que dentro de pocos días, el 14 de febrero, es San Valentín. En todos los medios de comunicación hay artículos y propuestas para esta fecha.

Ciertamente, no hay que esperar al Patrón de los enamorados para tener un detalle con la mujer o el marido, con la novia o el novio. El amor es algo que hay que regar todos los días, como la rosa de El Principito. Nosotros necesitamos ser también ese pequeño Príncipe que riega con ternura, cada día, su flor delicada; con cuidados pequeños pero constantes: una sonrisa, un beso, un abrazo, un piropo... Un pequeño detalle de servicio que manifiesta a quién llevamos en la cabeza y en el corazón.

Y evitar la rutina, y decir “te quiero” con la ilusión de la primera vez. Volver a ser novios, aunque se cuenten por decenios los años de matrimonio.

Todo eso es cierto. Pero también lo es que las fechas tienen su significado. Por eso he querido sumarme a esta celebración con una lista de 25 películas románticas que han superado la barrera del tiempo. Este fin de semana es una ocasión espléndida para sorprender a nuestra pareja con un filme que vimos hace años, o que vemos ahora por primera vez. El cine siempre ha sido “una fábrica de sueños”; y en ocasiones, una forma de demostrar el cariño.

Que paséis un gran día de San Valentín
. Y, si es posible, decidme cuál de ellas es vuestra preferida. Me encantará saberlo:

1. Casablanca (1942), de Michael Curtiz
2. Vacaciones en Roma (1953), de William Wyler
3. Lo que el viento se llevó (1939), de Victor Fleming
4. Tú y yo (1957), de Leo McCarey
5. Ninotchka (1939), de Ernst Lubitch

6. Sonrisas y lágrimas (1965), de Robert Wise
7. Matrimonio de conveniencia (1990), de Peter Weir
8. Cumbres borrascosas (1939), de William Wyler
9. Luces de la ciudad (1931), de Charles Chaplin
10. Cyrano de Bergerac (1990), de Jean-Paul Rappeneau

11. El hombre tranquilo (1952), de John Ford
12. Bodas y prejuicios (2005), de Gurinder Chadha
13. Mejor... imposible (1997), de James L. Brooks
14. Breve encuentro (1945), de David Lean
15. Sabrina (1954), de Billy Wilder

16. West Side Story (1961), de Robert Wise
17. Algo para recordar (1993), de Nora Ephron
18. Mientras dormías (1995), de Jon Turteltaub
19. Ghost (1990), de Jerry Zucker
20. La princesa prometida (1987), de Rob Reiner

21. La Bella y la Bestia (1991), de Gary Trouslade y Kirk Wise
22. Lo que queda del día (1993), de James Ivory
23. Sentido y sensibilidad (1995), de Ang Lee
24. El camino a casa (1999), de Zhang Yimou
25. La vida secreta de las palabras (2005), de Isabel Coixet

"Lo que de verdad importa": una película 100% benéfica

(JUAN JESÚS DE CÓZAR) A Paco Arango habría que hacerle un monumento. “He tenido mucha suerte en la vida afirma  y hace unos años tomé la determinación de donar tiempo a los demás”. Estos “demás” son sus queridos niños y niñas enfermos de cáncer, a los que ayuda través de la Fundación Aladina de la que es presidente. De modo que este director y productor español de origen mexicano decidió que su cine siempre sería solidario. Ya lo demostró con “Maktub” (2011) –su magnífico primer largometraje, cuya recaudación se dedicó a construir un centro de trasplantes de médula ósea en el Hospital Infantil Niño Jesús de Madrid: en poco más de dos años, ya se han realizado allí 171 trasplantes.


Pues bien, el próximo 17 de febrero estrena en toda España su segunda producción, titulada “Lo que de verdad importa”. La cinta cuenta la historia de Alec, un ingeniero mecánico inglés que arregla aparatos eléctrico y un “cabra loca” en palabras de su tío Raymond. Cuando el pequeño negocio de Alec está al borde la quiebra, su tío le propone un trato: pagará todas sus deudas si se traslada un año a Lunenburg, un pueblecito de Nueva Escocia (Canadá) del que procede su familia. Allí conocerá a la guapa Cecilia y a los demás habitantes de la localidad, y tendrá que plantearse “lo que de verdad importa”.

El guión, también de Arango, armoniza comedia, drama y realismo mágico, a través de unas divertidas y emotivas escenas, con un claro sentido de la trascendencia pero sin “sermonear” al espectador. Todo en el filme destila calidad: el cuidado diseño de producción, donde objetos y animales escaleras, lámparas, cuadros, libélulas, cuervos… están cargados de significado; la preciosa fotografía de Javier Aguirresarobe, ganador de 6 premios Goya; la vibrante banda sonora de Nathan Wang; y unos actores convincentes: Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington, Kaitlyn Bernard, Jorge García y el veterano Jonathan Pryce.

La recaudación ayudará a sufragar los gastos de estancia de más de 120 niños con cáncer de toda España en Barreststown (Irlanda), uno de los campamentos terapéuticos de la Serious Fun Children’s Network, institución fundada por Paul Newman. A la causa se ha sumado la Fundación Lo que de verdad importa, comprometida desde hace 10 años en la transmisión de valores a los jóvenes españoles, y que ha tenido mucho que ver en el título final del filme.

Vale la pena convertirse en “embajadores” de una película que gustará a todo tipo de público, 100 % positiva y desinteresada: detrás de cada entrada que se compre hay un rostro humano.

domingo, 5 de febrero de 2017

¡"Timecode" gana el Goya y acaricia ya el Oscar!

Hoy estamos de fiesta en mi familia y en el blog. Mi hermano Arturo, profesor de Producción Cinematográfica en UIC Barcelona y director de Bastian Films, ha ganado el Goya 2017 al Mejor Cortometraje de Ficción. Ha ganado el Goya por tercera vez (y por segunda consecutiva) gracias a la cinta “Timecode”, dirigida por Juan José Giménez y producida por él mismo, que ha obtenido ya más de 50 premios.

Lo más sorprendente es que ¡opta también al Oscar! El día 26 de febrero esperamos verle recoger la estatuilla en Hollywood, y agradecer a sus alumnos de UIC Barcelona -eso le he pedido- toda la ilusión que le transmiten en sus clases.

Todos los estudiantes y los profesores (conmigo a la cabeza: yo me he declarado el "fan nº 1 de Arturo") le agradecemos lo que ha hecho por nuestra Universidad, y todo lo que impulsa a soñar a nuestros estudiantes de Comunicación Audiovisual. 

El Goya fue anoche un notición para toda la familia (Aunque no una sorpresa: seis días antes le habíamos acompañado a recoger el Gaudí). Yo seguí anoche la ceremonia por Twitter, porque en mi casa estábamos viendo una película. Y de repente... un wasap de mi hermana anunciando que van a entregar el premio al mejor cortometraje. Logro que dejemos la peli  unos momentos y pasemos a la 1. Son momentos de tensión y de esperanza. Y, de repente ¡Timecode es el ganador!

Los hermanos andamos bastante dispersos (en Roma, Bombay, Tarragona, Barcelona), pero pudimos celebrarlo juntos gracias a las nuevas tecnologías: la distancia física fue salvada por mails, wasaps, llamadas de wasap, SMS…

La verdad es que Arturo es un genio. Ha sabido seleccionar bien los proyectos que quiere producir, como señala en la entrevista que le hicieron anteayer en El Confidencial. Ahí le calificaban de "apóstol del cine humano que nos hace mejores". Y es que él no sólo ha sabido organizar los proyectos para que pudieran convertirse en películas, sino que ha sabido elegir los guiones que iluminaran la vida de los espectadores. Su cine es un cine que aporta valores y ayuda a pensar.

Hace cinco años, produjo un cortometraje titulado “La historia de siempre”, con el que cosechó más de 130 premios: en festivales prestigiosos como los de Lucania (Italia), México D.F., Montecatini (Italia), Seattle (U.S.A.), Honk Kong (China), Cartagena de Indias (Colombia) o San Diego (U.S.A).

Al año siguiente su película “El barco pirata”, del que hablé en su momento, ganó en 2012 el Goya al Mejor Cortometraje de Ficción. ¡Fue una gran alegría que compartimos pocos días después toda la familia! (La foto de al lado nos la hicimos una semana después, y en ella se me puede ver más feliz aún que el propio Arturo).

Un año más tarde, “El corredor” obtuvo en la SEMINCI el premio al Mejor Cortometraje Europeo, lo que le permitió representar a nuestro país en los premios EFA (European Film Award), los más prestigiosos del cine europeo. Después ganó en los Gaudí, como ya conté en esta página, y ha estado presente en las secciones oficiales de muchos festivales: Flickerfest, en Australia; Clermond Ferrand, en Francia; Palm Spring, en California...

Pero lo mejor para Arturo llegó anoche: su tercer Goya con Timecode, una excepcional historia de amor sin palabras. Es el gesto, la mirada ¡y sobre todo, la danza! lo que va desgranando un argumento sorprendente y, a la vez, cautivador. Ésta es la sinopsis oficial: "Luna es una vigilante de seguridad que trabaja en el parking de unas oficinas. Cansada de su trabajo y de su jefe, se turna con Diego, a quien apenas ve unos segundos al día. A partir de un curioso hallazgo, Luna descubrirá una manera de comunicarse con su compañero".

En palabras de Arturo, "Timecode está llamado a ser el cortometraje español más importante de la historia". Y no le falta razón: Palma de Oro en Cannes, Gaudí al mejor corto, ¡Goya anoche con todos los honores! (Aquí el momento en que recogen el Goya). Y ahora afronta con esperanza el reconocimiento de la Academia de Hollywood. ¡El Oscar sería la locura completa! Y como dice Óscar Sueiro, profesor de Cine en UIC Barcelona: "Este corto es una maravilla; tiene arte, tiene emoción, y tiene ese 'no-sé-qué' que solo encuentras en las obras maestras".

Como fin de fiestas, os dejo tres regalos: el tráiler de Timecode (el corto no está disponible, porque está en el circuito de los festivales), el Making of de la cinta y el primer gran corto de Arturo: "La historia de siempre". Que los disfrutéis.




“La ciudad de las estrellas (La La Land)”: un musical moderno... como los de antes

(JUAN JESÚS DE CÓZAR) Brillante, romántica, nostálgica y de una energía contagiosa, “La ciudad de las estrellas” o “La La Land” –su título original, mucho más sonoro y pegadizo– se acaba de convertir en la película con más Globos de Oro de la historia: los 7 a los que aspiraba. Recientemente estrenada en nuestro país tras su éxito en USA, se ha situado en lo más alto de la taquilla española y es previsible que tenga un prolongado boca-oreja. Con un encanto irresistible, “La La Land” no solo convence al espectador sino que lo conquista.

El filme, que está lleno de guiños cinéfilos, quiere ser también un agradecido homenaje a los famosos musicales de las décadas de 1950 y 1960: “Cantando bajo la lluvia”, “Melodías de Broadway”, “Un americano en París”, “West Side Story” o “Los paraguas de Cherburgo”. Pero Damien Chazelle, director y guionista, no se ha conformado con imitar o rememorar el pasado, porque su cine tiene personalidad propia como ya demostró en la intensa “Whiplash” (2014), una cinta donde la música también es un factor clave.

En “La La Land” se puede confirmar ese algo casi imperceptible que llamamos “química entre los actores”. Porque Ryan Gosling y Emma Stone, en su tercer trabajo juntos, se suman en la era moderna a esas míticas parejas de cine que formaron Humphrey Bogart y Lauren Bacall, Fred Astaire y Ginger Rogers, Spencer Tracy y Katharine Hepburn o Dick Powell y Myrna Loy.

Estamos en Los Ángeles y la película comienza con un vibrante plano secuencia, que la coreografía de Mandy Moore y la música de Justin Hurwitz convierten en una escena espectacular. Será ocasión para el primer encuentro entre Sebastian (Gosling) y Mia (Stone), él pianista y gran amante del jazz, y ella aspirante a actriz y –de momento– camarera en la cafetería de un estudio de cine. Lo que viene después es mejor verlo y no contarlo, pero les aseguro que es una delicia.

La La Land” se mueve en terreno conocido argumentalmente, porque habla de perseguir los propios sueños, de sacrificio, de renuncia y de un amor que querría ser para siempre. Pero lo hace con tal simpatía que el espectador se rinde al hechizo de unas canciones que se tararean con los pies, de un colorido vestuario con toques retro de Mary Zophres y de unos actores soberbios, muy bien dirigidos por un Chazelle –32 años recién cumplidos– que apunta al Oscar.

domingo, 8 de enero de 2017

Un repaso a los mejores anuncios de la Navidad

Esta Navidad ha sido pródiga en bellos anuncios navideños. Algunos se han comentado en este blog, como la bella historia de amistad entre un iman y un sacerdote que nos contó Amazon, o como la tierna historia de Carmina, que cree haber ganado el Gordo por un error que nadie se atreve a desmentir. Sus paisanos -nos lo contó Lotería de Navidad- crearon un improvisado y solidario simulacro  para evitarle esa gran desilusión.

Otros spots se han hecho famosos en las redes, como un anuncio polaco en el que el protagonista pide como regalo un curso de inglés (delicada ironía ante tantos regalos llamativos e inútiles) y se pasa horas y horas estudiando la lengua. Durante días escucha casetes, repite en voz alta los conceptos que va memorizando y llena su casa de post-it para recordar esas palabras que aprende.

Al final descubrimos el porqué de tanto esfuerzo: viaja a un país de habla inglesa para pasar las fiestas con su hijo y la mujer de éste, y cuando llega a destino, le espera ansiosa su nieta, a la que ve por primera vez. ¿Qué mejor regalo que poder decirle en su idioma: "Hola, soy tu abuelo y te quiero mucho"?

También resultó muy comentado este anuncio de Milka, ambientado en los Alpes suizos, cuyo protagonista es un niño al que se le hace eterna la espera para recibir los regalos el día de Nochebuena. De repente, se le ocurre una brillante idea: construir una máquina del tiempo que le lleva a la noche del día 24. Ante el ferviente anhelo del pequeño, toda la familia se confabulará para crear la ilusión del salto temporal. Un maravilloso ejemplo de cariño, solidaridad y amor familiar que podéis ver aquí.



Pero, de todos, yo me quedo con este anuncio de Volkswagen, que nos hace olvidar lo más efímero de estas fiestas (las prisas, el consumo, las compras de última hora) y nos descubre la realidad: la Navidad es la época más hermosa del año, la más entrañable y familiar. Estar con los nuestros es, sin duda, el mejor regalo navideño. Ideado por la agencia OgilvyOne, el spot narra la historia de una pequeña que está triste el día de Nochebuena. De repente, se le ilumina el rostro. Pinta motitas rojas en la cara de su hermanito para que todos piensen que está enfermo y le lleven al hospital. Una vez allí, aparece inesperadamente su madre, que es médico de profesión y está de guardia esa noche... El desenlace no puede ser más conmovedor.



Espero que hayáis pasado unas felices fiestas de Navidad. Y os deseo, para el nuevo año, la realización de todos vuestros sueños. ¡Feliz 2017!

"Silencio": La inquietud religiosa de Martin Scorsese

(JUAN JESÚS DE CÓZAR) “Quiero provocar en la gente algún tipo de reacción, ya sea emocional o intelectual. Pretendo que reaccionen. (…) Hay quien opina que si nos limitamos a hacer películas que muestren cómo debería ser el mundo, las cosas acabarán siendo de ese modo. No estoy de acuerdo. No es que diga que todo el mundo debe hacer películas como yo las hago, pero la provocación es importante para fomentar la discusión y la acción”.

Estas declaraciones realizadas por Martin Scorsese a mediados de la década de 1990 resultan plenamente aplicables a “Silencio”, quizá su obra más ambiciosa recientemente estrenada en España. Se trata de un proyecto largamente deseado por el director italoamericano durante más de tres décadas, y a uno se le antoja que la espera ha sido beneficiosa, porque sin renunciar a sus preocupaciones fílmicas y antropológicas estamos ante un Scorsese evolucionado, con una subjetividad mejor dominada y una libertad creativa exenta de la gratuidad y los excesos tan presentes en la mayoría de sus filmes anteriores.

Básicamente, el argumento gira en torno a la persecución, tortura y martirio de muchos cristianos en el Japón de la segunda mitad del siglo XVII. El centro de la acción se sitúa en los sufrimientos y las luchas internas del Padre Rodrigues (Andrew Garfield), un jesuita que acude a esas tierras evangelizadas por San Francisco Javier para encontrar al Padre Ferreira (Liam Neeson), su profesor, sobre el que se dice que ha apostatado.

En el aspecto técnico la película es impecable y cuenta con una maravillosa fotografía de Rodrigo Prieto, que sabe extraer belleza de un paisaje duro y hostil; con el montaje de Thelma Schoonmaker –tres Oscars le contemplan–; y con el diseño de producción y el vestuario de Dante Ferreti, también ganador de tres estatuillas.

Pero si la crítica se muestra unánime en cuanto a la exquisita factura del filme, no ocurre lo mismo en relación con su contenido. Y es que estamos ante una obra compleja, con variedad de intenciones no todas convergentes; o mejor, con una intención multidireccional abierta a diversas interpretaciones. Justo, quizá, lo que pretendía Scorsese, que adapta con bastante fidelidad la novela homónima de Shûsaku Endô pero que también ha aportado al guión algunos matices que alimentan esa complejidad.

Después de lo escrito es fácil entender que escribir una reseña “objetiva” y certera de “Silencio” resulta una aspiración no sólo difícil sino pretenciosa. De modo que estas líneas solo pretenden preparar el ánimo y la mente del lector que acuda a ver este filme de 160 minutos, áspero y doloroso, intencionadamente provocador y ambiguo  el último plano es una clara muestra, que estimula la reflexión sobre la presencia de Dios en el mundo, la persona de Jesucristo y la dimensión espiritual de la persona.

Hay que tener en cuenta que Scorsese, a pesar de declararse católico y de mostrar una gran inquietud religiosa, no ha cultivado una sólida formación cristiana –él mismo reconoce que lee poco–, y que observa la fe más bien desde su sensibilidad de maestro del cine. Así lo ha venido haciendo a lo largo de toda su filmografía, convencido de que “no nos liberamos de nuestros pecados en la iglesia sino en la calle y en casa”, por citar sus propias palabras.

¿Dónde estaba Dios cuando mataban a esos inocentes cristianos japoneses? Scorsese prefiere que sea cada espectador quien responda a esa cuestión. ¿Dónde estaba Dios cuando el Holocausto, y el 11-S, y el 11-M…? ¿Dónde está cuando persiguen y matan a tantos cristianos en Irak, en Siria o en varios países de África? Esta pregunta, legítima e inevitable, se ha convertido en un lugar común y ha llevado a algunos a sentar a Dios en el banquillo. Pero pienso que esos interrogantes sólo tienen una respuesta con sentido: Dios estaba clavado en una Cruz, precisamente por todas esas barbaridades de la historia humana.

domingo, 18 de diciembre de 2016

"Rogue One": Infundir coraje e ilusión en los niños

Las cross promotions (o promociones cruzadas) entre una marca y un filme en su lanzamiento, son muy habituales en los Estados Unidos. Para el estreno de "Rogue One: A Star Wars Tale" se han creado algunas muy buenas,  el anuncio de Duracell en que un grupo de rebeldes galácticos “rescata” a una niña enferma,  recluida en un hospital –como si fuera la Princesa Leia– y la libera justo el día de Navidad.

La promoción cruzada que he seleccionado para este blog es una conmovedora campaña de la compañía filipina de telecomunicaciones Globe. Creada por Publicis JimenezBasic, narra la historia de dos hermanos, uno mayor y responsable, y la otra pequeña y aparentemente alocada, que se niega a ir a ninguna parte sin usar su casco imperial, tipo Darth Vader.

La acción se desarrolla a lo largo de un día, en el que vemos cómo la niña lleva puesta su máscara blanca en su trayecto al cole, en el desayuno, montando su bicicleta… ¡hasta cepillándose los dientes! Todos la miran con displicencia, pero su hermano mayor está siempre a su lado, y mantiene ante los demás una sorprendente actitud de lealtad y apoyo.

Al día siguiente se plantan de nuevo en la escuela. Pero esta vez, cuando entra en el aula, todos llevan una máscara blanca de Darth Vader. Al ver su solidaridad, ella se quita la máscara... y el final nos sorprende, a la vez que nos arranca una lágrima.

El spot, dirigido por Joel Limchoc de Film Pabrika, anima a los consumidores a #CreateCourage y a publicar fotos de ellos mismos con ese hashtag y luciendo un casco blanco tipo Vader. También pide su colaboración con el Hospital General de Filipinas para llenar de ilusión y coraje a los pacientes infantiles que allí se tratan.

Una campaña con valores que promociona un filme a la vez que nos hace pensar y nos conmueve.

"Hasta el último hombre": fe y altruismo en la barbarie

(JUAN JESÚS DE CÓZAR) Podrá gustar o no, pero hay que reconocer que Mel Gibson es un valiente. A pesar de los palos recibidos desde que realizara esa obra maestra titulada “La Pasión de Cristo”, vuelve a la dirección con otro film comprometido. Se trata de “Hasta el último hombre”, un biopic bélico sobre la figura de Desmond Doss, un objetor de conciencia que participó como improvisado médico en la II Guerra Mundial. Fiel a sus creencias cristianas, pero sobre todo a su conciencia, Doss se alistó voluntariamente en el ejército en 1942 advirtiendo que no utilizaría ningún arma y que se dedicaría sólo a tareas sanitarias.

El aviso que sigue al título en los créditos iniciales es contundente y revelador: “Una historia real”. Porque Gibson –cabezota o fiel a sí mismo, según quien lo mire– cuenta lo sucedido a Doss sin complejos en lo argumental y con su estilo hiperrealista en lo formal. Y así, por un lado nos quiere mostrar al hombre cabal, generoso y coherente con su fe; y por otro, incomoda al espectador con unas imágenes brutales que exigen un buen “estómago” para soportarlas. De modo que “Hasta el último hombre” podría calificarse paradójicamente como una película pacifista muy bélica.

Las impactantes escenas de guerra resultan sobrecogedoras y muy poderosas visualmente, y están concebidas para que duelan y conmuevan a la vez. La fotografía de Simon Duggan y la banda sonora de Rupert Gregson-Williams completan la formidable calidad del apartado técnico. Andrew Garfield brilla en su papel de Desmond Doss, y le acompañan unos secundarios de lujo: Vince Vaughn, Teresa Palmer, Sam Worthington, Rachel Griffiths

Señor, ayúdame a salvar uno más”, rezaba una y otra vez Desmond Doss. Mientras otros destruían, él arriesgaba su vida para atender a los heridos: una misión que entendió como la voluntad de Dios para él. Sus jefes y sus compañeros, que al principio le consideraban un cobarde o un loco, acabaron reconociendo su enorme valentía y le vieron como un héroe; incluso más, como alguien dotado de un halo sobrenatural, una persona que infundía esperanza y que nunca abandonaba a los demás.

Insisto en que la película puede herir sensibilidades debido a la crudeza de las imágenes, pero quien se anime a verla tendrá también la oportunidad de disfrutar con la delicada historia de amor que vive el protagonista, y se conmoverá hasta las lágrimas con el emotivo final.

jueves, 8 de diciembre de 2016

Las 10 mejores películas navideñas

Aunque estamos a mitad del Adviento, para muchos la Navidad está ya a la vuelta de la esquina. Muchas calles están adornadas, y El Corte Inglés lo pregona a los cuatro vientos.

En este contexto, dentro de poco empezará a programarse en televisión un particular género televisivo que podríamos denominar películas navideñas. Estas cintas incorporan algunos de los valores más típicamente cristianos: el sentido de la Navidad, la conversión a lo "Scrooge" (el personaje de Dickens), los deseos de felicidad, el reencuentro familiar, o el anhelo de retornar a la inocencia y a la infancia.

Como sugerencia para alquilar o ver en casa durante estas próximas semanas, incluyo mi personal lista de "las diez mejores películas sobre la Navidad": incluye filmes familiares, y -junto a películas clásicas- prima algunas más recientes, que puedan ser asequibles para todos y más fáciles de encontrar en los videoclubs:

1. ¡Qué bello es vivir! (1946), de Frank Capra. La víspera de Navidad, George Bailey está con el agua al cuello. Toda su vida ha renunciado a proyectos personales para ayudar a su comunidad; pero ahora el banco que ha creado para socorrer a la gente está al borde la quiebra, y Bailey va a un puente dispuesto a arrojarse al agua, pensando que todos sus esfuerzos han sido en balde. La repentina aparición de Clarence, un ángel que todavía no se ha ganado las alas, le hará ver cómo hubiera sido la vida de su familia y sus amigos si él no hubiese existido. Número uno indiscutible del género, que sigue transmitiendo esperanza y optimismo a públicos de todas las culturas.

2. La Natividad (2006), de Catherine Hardwicke. Recrea con acierto los escenarios, costumbres y utillaje de la época en que nació Cristo, pero falla en el retrato de la Virgen, que aparece siempre tímida e introvertida. Con todo, una buena preparación para vivir el sentido religioso de la Navidad.

3. Las Crónicas de Narnia (2005), de Andrew Adamson. Todo un clásico de la literatura infantil, escrito por C. S. Lewis. Durante la II Guerra Mundial, cuatro hermanos ingleses son enviados a una casa de campo para huir de los bombardeos alemanes. Un día, mientras juegan al escondite, la pequeña Lucy se esconde en un armario y de repente aparece en Narnia, un mundo fantástico que vive un invierno perpetuo. Cuando vuelva al caserón, nadie creerá su increíble aventura. Pero Narnia lanzará más mensajes a los niños, porque necesita de su inocencia para ser redimido. Y en esa misión encontrarán al majestuoso león Aslan, una respetuosa analogía del personaje de Jesucristo. Filme aún reciente que gustó a niños y adultos, y que aúna simbolismo cristiano junto a una gran aventura épica.

4. Maktub (2011), de Paco Arango. Manolo atraviesa una grave crisis en su matrimonio. Un día, cercano a la Navidad, conoce a Antonio, un chico con cáncer que tiene unas extraordinarias ganas de vivir, y eso le cambia la vida. Esta película familiar, con formato de cuento navideño, logra divertir y conmover, apelando a los buenos sentimientos. El director propone una fábula con enseñanzas sobre el sentido de la vida y la enfermedad, hablando sin complejos de la muerte, la trascendencia, el amor, la familia, la capacidad de perdonar, la fidelidad y las relaciones entre padres e hijos. Una gran opción para jóvenes y adultos.

5. De ilusión también se vive (1947), de George Seaton. Cercana la Navidad, la jefe de unos grandes almacenes contrata a un viejecito barbudo y simpático para que haga de Santa Claus. El anciano acapara pronto la atención de todos por su derroche de simpatía, y también porque afirma que es el verdadero Santa Claus. Con este planteamiento, la jefa quiere devolver a todos los ciudadanos el auténtico sentido de la Navidad, incluyendo a su escéptica hija. Cinta entrañable, nominada a los Oscar, donde se hace una dura crítica a los impulsos materialistas y consumidores que se anteponen, en estas fechas, al verdadero significado de la Navidad.

6. Family man (2000), de Brett Ratner. Entrañable fábula sobre un personaje que prefirió alcanzar el éxito en vez de casarse con la chica de sus sueños. En vísperas de Navidad, sólo y sin familia, tiene un extraño encuentro con su “Ángel de la guarda” que le hará ver lo que podría haber sido su vida con un matrimonio feliz, con hogar y con hijos.

7. La gran familia (1962), de Fernando Palacios. Un espléndido homenaje a la familia numerosa, que tiene como clímax la pérdida de uno de los hijos en la víspera de la Navidad. La mejor para el sentido familiar de estas fechas.

8. Polar Express (2005), de Robert Zemeckis. Un niño que ha perdido la ilusión de la Navidad se ve metido en un tren rumbo al Polo Norte, para conocer a Santa Claus. A través del viaje, plagado de increíbles aventuras, misterios y canciones , el protagonista viajará a un lugar mucho más escondido e importante, el de su propio corazón. Excelente película de animación en 3 D.

9. Mientras dormías (1995), de Jon Turteltaub. Una joven taquillera de metro, secretamente enamorada de uno de los pasajeros, tiene la oportunidad de salvarle la vida, aunque él queda en coma; por una confusión, todos creerán que ella es su novia. Comedia romántica por excelencia, al estilo Capra o LeoMcCarey, que trae a colación la necesidad de afecto y compañía cuando llega la Navidad.

10. Feliz Navidad (2005), de Christian Carion. Narra lo que sucedió el 24 de diciembre de 1914 en el frente de Ypres (Bélgica), durante la Primera Guerra Mundial. Se decretó una tregua para esa noche que implicaba permanecer en los puestos sin disparo alguno, pero las tropas alemanas iniciaron un villancico, y las tropas británicas respondieron con "Adeste fideles". Luego intercambiaron gritos de alegría y deseos de una feliz Navidad para todos. Al poco, hubo encuentros de unos y otros en la tierra de nadie, y allí se intercambiaron regalos y recuperaron a los caídos. Celebraron funerales con soldados de ambos bandos, llorando las pérdidas y ofreciéndose mutuamente el pésame. Una gran lección de solidaridad cristiana.

domingo, 4 de diciembre de 2016

Amazon: preciosa historia de amistad entre un iman y un sacerdote

Amazon ha dado la campanada con un sorprendente y emotivo spot navideño. Su historia es completamente original: trasciende el ámbito de lo comercial y prescinde de la iconografía navideña: nieve sobre las calles, luces en las ventanas y árboles cargados de adornos. En su lugar, nos propone, un mensaje con los valores más genuinos de la Navidad: el deseo de paz, las muestras de cariño, el sentido auténtico del regalo, el encuentro con los amigos.

El anuncio nos cuenta la historia de amistad entre un iman y un sacerdote. Su mutua veneración y afecto muestran un valor universal: actúan como símbolo y demostración de que la concordia entre las religiones es algo deseable y posible; más aún: que es una realidad en muchas partes del mundo. Entre los creyentes de distintas confesiones hay más puntos de encuentro y más respeto que lo que el laicismo imperante quiere hacernos creer.

Como señala Gary Bradley, el actor que en este spot interpreta al cura católico, la historia "habla de respeto y comprensión mutuos, y habla también de las cosas que unen a la gente de distintos credos en lugar de lo que las separa".

El vídeo, que se emite en diversas televisiones de Inglaterra, Estados Unidos y Alemania, acumula millón y medio de visitas en apenas dos semanas. En Facebook, después de que lo compartiese el imán Zia Sheikh en su muro, se ha hecho viral. El post lleva diez millones de visualizaciones, más de 130.000 reacciones y lo han compartido más de 160.000 usuarios. El brillante e inesperado final -que muestra el amor que encierra un simple regalo- ha hecho que muchos deseen compartirlo con sus contactos.

Lo más sorprendente es que ambos actores se interpretan a sí mismos. Gary Bradley, de 63 años, es el párroco de Little Venice en Londres, que fue actor antes que sacerdote; y Zubeir Hassam, de 55, que interpreta al iman, es el director de la escuela musulmana Oadby, en Leicester. Como consecuencia del rodaje, ambos se han hecho verdaderamente amigos. Y así, una vez más, la vida supera a la ficción, y el mensaje de la Navidad ha vuelto a hacerse realidad.

Un diez para Amazon por esta valiosa campaña.

miércoles, 16 de noviembre de 2016

El tráiler de "La Bella y la Bestia" emociona y arrasa

Hace dos días, Disney lanzó el esperado tráiler de “La bella y la bestia”, que retoma los personajes y la historia del clásico de animación que marcó la infancia de millones de niños en 1991. Bajo la dirección de Bill Condon, los personajes de Bella (Emma Watson) y Bestia (Dan Stevens) son revisitados ahora por actores de carne y hueso en una historia que encierra una lección inmortal: “la belleza está en el interior”.

El tráiler arranca con el tenebroso interior del castillo que habita la bestia. Sobre sus paredes cuelga un cuadro rasgado, que revela cómo fue cuando era humano y el calvario que vive desde que recibió una maldición. Inadvertidamente, el padre de Bella se adentra en el bosque cercano al castillo y acaba preso de la indómita fiera, quien acepta su intercambio por Bella.

Podemos comprobar que el filme recoge todos los personajes que hicieron tan deliciosa la versión animada: incluyendo el candelabro Lumiére, el reloj Ding Dong, la tacita Chip y la tetera Mrs. Pott., además del presumido Gastón (Luke Evans). También vemos que sigue con bastante fidelidad el relato animado, aunque introduce también elementos del cuento literario original.

De fondo, reconocemos algunas de las inolvidables canciones del filme animado. Y así, se nos anticipa una cinta que tendrá acción, aventura, romanticismo y más tensión que la anterior. Todo ello sin desvelar cómo será la famosa escena del baile, y en una angustiosa carrera contra reloj para romper el hechizo que aprisiona a la bestia, antes de que caiga el último pétalo de rosa.

Después de ver el tráiler, que ha batido todos los récords de visitas en Internet (127 millones en su primer día de exhibición), va a resultar difícil aguardar hasta el 17 de marzo, la fecha de su estreno. Al menos, nos queda la convicción de que Disney ha vuelto a dar en el clavo. Porque la historia de una bestia enamorada de una Bella volverá a los cines para quedarse.

Lotería de Navidad: La tierna historia de Carmina

Hace diez o quince años, la Navidad llegaba a nuestros hogares con campañas emotivas de turrones El Almendro, que narraban la vuelta a casa por esas fechas y el feliz reencuentro en el hogar. Desde hace tres años, sin embargo, Lotería de Navidad parece haber cogido el relevo, y este tiempo mágico y entrañable parece llegar con el lanzamiento de su nueva campaña.

En el anuncio de de 2014, se nos encogió el corazón con las lágrimas de Manuel, cuando descubre que el dueño del bar donde siempre toma café le ha guardado un décimo premiado. En 2015, aunque en versión animada, fue Justino, el guardia de seguridad de una fábrica de maniquíes, quien nos conmovió con su historia al ver recompensada su simpatía y generosidad por todos aquellos a los que sirvió de forma callada durante años.

Este año la historia tiene aún más fuerza, y parte de su encanto procede del lugar donde se ha rodado: Villaviciosa, un pueblo asturiano encantador y lleno de gente amistosa que parece haber sido hecho para este bello relato. La protagonista es Carmina, una maestra jubilada que, el 21 de diciembre, mientras la televisión emite imágenes del Sorteo del año anterior, cree que le ha tocado el Gordo. Rápidamente sale a la calle a celebrarlo. Su hijo intenta detenerla, pero al ver lo contenta que está y lo feliz que está haciendo a sus vecinos, decide no romper ese momento mágico. Los paisanos del pueblo, conscientes de la ilusión de Carmina, se unen con afecto al juego de seguirle la corriente.

El dueño del bar que pone copas de cava para celebrarlo, la peluquera con la que se funde en un abrazo y hasta el lotero que se viste con la camiseta del «Primer premio vendido aquí». El hijo y el nieto de Carmina se encargan de ir poniendo sobreaviso a todos los habitantes, para que se sumen a la fiesta. Y hasta la Guardia Civil se presta a escoltarlos en una alegre procesión hacia el faro, donde el pueblo entero celebra “el Gordo”. Al final, ese juego acaba por tocar sus corazones, y ese ejercicio de altruismo y de bondad hace que todos salgan de alguna forma renovados.

Lotería de Navidad ha vuelto a confiar en la agencia creativa Leo Burnett y en el director Santiago Zannou (ganador de un Goya), que ya se encargó del anuncio de 2014. Y, de forma aún más entusiasta que en años anteriores, la respuesta de los internautas ha sido fabulosa: sólo hace dos días que se publicó en la Red y ya contabiliza 3’8 millones de visitas.

«Anda que... como nos toque mañana...», dice una de las vecinas en la fiesta del faro. El anuncio se cierra con el lema de las últimas campañas: «El mayor premio es compartirlo». Y así nos hace llegar su mensaje de alegría, ilusión y solidaridad para estas fechas navideñas.

lunes, 10 de octubre de 2016

Emotivo spot: El héroe es el que transmite alegría a su entorno

Philips, líder mundial en tecnología de la salud, acaba de lanzar su última campaña en Australia a través de la agencia Ogilvy & Mather. El spot cierra su historia con el mensaje habitual de la compañía: "Siempre hay una manera de hacer la vida mejor". Esa es la síntesis de su storytelling.

El breve relato juega con dos elementos clave: la sorpesa y el humor. Un hombre normal y corriente, quizás un poco más estresado de lo normal, se despierta una mañana y empieza una carrera contrarreloj para llegar al trabajo: entre otras cosas, toma un sándwich mientras se ducha. De repente, le vemos vestirse de… ¡Spiderman! aunque su porte no es precisamente el de un héroe. Su inmediata carrera por la ciudad nos confirma en la impresión de que poco tiene de héroe salvador del mundo, aunque algunos detalles -a la par que retrasan su carrera- sí muestran su valía personal, como cuando ayuda a una ancianita a subir el carro de la compra por una escalera de interminables peldaños.

Al final, descubrimos el sentido de esa extraña aventura. Y nos damos cuenta entonces de que, en cuestiones de salud, la tecnología debe ir siempre sazonada por una buena dosis de cariño.

Dirigido a profesionales de la salud, el spot quiere mostrar cómo Royal Philips ve la salud de manera diferente, porque pone a las personas en el centro de su actividad. Ellos enfocan los problemas a través de los ojos del paciente, y eso les inspira para tratar de innovar cada día.

Ahora es el momento de que veas el anuncio:



Para cerrar este breve comentario, nada mejor que las palabras de Eva Barrett, responsable global de publicidad de la marca: "Esta campaña tiene como objetivo cambiar la percepción de nuestra marca entre la audiencia: no somos una compañía tecnológica y fría, sino una compañía tecnológica y humana (…). El spot está inspirado en una historia real, la historia de un limpiador de ventanas, que se viste de hombre araña para llevar un poco de alegría y entretenimiento a los niños enfermos. Él cree que animarlos les ayuda a recuperarse más rápido… Y es verdad, porque a veces la sonrisa es la mejor medicina".

domingo, 2 de octubre de 2016

Primer cumpleaños del bebé... ¡y de la madre!

Cuando los niños nacen, los padres pasan sin remedio a un segundo plano. Todas las miradas se concentran en el pequeño: los cuidados que necesita, las atenciones que desean tener con él, etc.

Es algo normal, pero quizá deberíamos recordarnos a nosotros mismos, de vez en cuando, la importancia de ser padres; en especial, de ser madre. Por eso, junto al primer cumpleaños del bebé, deberíamos celebrar también... el de su madre, como mamá.

El anuncio que hoy os presento comienza en la consulta del médico, durante la revisión del primer año. A través de una cámara oculta, asistimos al diálogo de la madre con el pediatra: “¿Se mantiene ya de pie?” “Sí, cuando la sujetamos”. Ella abre su corazón y manifiesta sus inquietudes: “Me sentía muy insegura cuando nació. Estaba preocupada por verla llorar casi todos los días”. Otra madre, en la misma situación, pregunta intranquila: “¿Lo estoy haciendo bien?.

La voz en off del padre establece un dulce paralelismo: “Me sentía mal por no poder estar tan presente como debería”. Mientras tanto, le vemos colgando algunos cuadros en el pasillo de la consulta, mientras ella está dentro. Son fotos de ese primer año: imágenes tiernas y familiares, con unos maravillosos pies de foto. Vemos a sus amigos que le ayudan en esta sorpresa a su mujer. Y sigue la voz en off: “Ella siempre pone al bebé en primer lugar… Le estoy muy agradecido por lo que hace”.

Así arranca esta campaña que una marca de pañales japonesa, Pampers, ha ideado para homenajear a las madres en su primer aniversario. Previamente, se ha comunicado en secreto con los maridos y ha preparado todo para que puedan agradecer a su mujer el cariño y la entrega hacia el hijo; un cariño que han visto crecer día a día, una entrega que tanto les ha inspirado y conmovido. Un reconocimiento sublime y hermoso, lleno de dulzura, que lleva a gritar: ¡Feliz primer cumpleaños, también para ti!

En apenas un mes, el anuncio fue reproducido en YouTube más de tres millones de veces. Ahora lleva más de 6 millones. Y lo más comentado por los internautas es la paradoja de esas madres inseguras, que saben que no son perfectas, pero que hacen todo con la perfección del amor.

domingo, 25 de septiembre de 2016

La alegría de ser madre

En las noticias, en las películas, en las series o en los documentales que veamos a diario se percibe un empeño sibilino de presentar a las mujeres embarazadas como infelices.

En esas historias parece como si las madres no quisieran ya ser madres, como si el hijo que llevan en las entrañas fuera siempre un error de cálculo y no lo más frecuente: fruto del amor. Parece como si tuvieran que pedir permiso a la sociedad por traer al mundo a una nueva criatura… Y, lo que es peor, como si tuvieran que esconder su felicidad y su deseo, libre y maravilloso, de volver a ser madres.

Respeto todas las decisiones libres de las mujeres y los hombres de nuestro tiempo. Las respeto cuando realmente son así, libres: sin presiones sociales o del entorno laboral, sin coacciones de la familia o de la pareja. Pero me reservo el derecho a elogiar lo que considero más altruista y generoso.

El spot que he seleccionado para esta semana es un canto a la maternidad. Un canto a la vida que está por nacer, un canto a la generosidad y al amor de las madres. No se oculta, en estas escenas, los agobios que todo embarazo conlleva: mareos, sofocos, debilidades. Pero, junto a ello, aparece siempre el firme propósito de una madre de dar lo mejor de sí misma. El anhelo de buscar el afecto y la felicidad, un sentimiento de plenitud que, de forma natural, se transmite también al marido y a los hijos.

Son preciosos los pensamientos de esas madres embarazadas que están pensando en su familia y en su futuro hijo: “Me encanta estar en forma, me encanta mirarme..., me encantan los desafíos, me encanta mi libertad...”. Y, sobre todo, Me encanta ser mamá....

Pienso que ahora, más que nunca, es un buen momento para volver a ver este inspirador anuncio. Feliz comienzo de curso para todas las madres.

En "El Principito", de Mark Osborne, lo esencial se hace visible a los ojos

(JUAN JESÚS DE COZAR).- Adaptar una obra maestra tan sensible como “El principito” es una tarea delicada. Lo hizo Stanley Donen sin mucho éxito en 1974, y posteriormente se han producido algunos otros intentos orientados sobre todo a la pequeña pantalla. Consciente de la dificultad, el realizador Mark Osborne (Bob Esponja, Kung Fu Panda) ha sabido tomar la distancia adecuada para no traicionar el alma del cuento del escritor francés, y el resultado es magnífico.

Irena Brignull y Bob Persichetti han elaborado un original guión cuyo corazón es la obra de Saint-Exupéry. Algo así como un brillante envoltorio para una joya que no conviene manosear; o como el fanal que el principito coloca a la rosa para que no se marchite. Esa historia envolvente es la de una niña que vive en un mundo adulto, en una ciudad donde todo está organizado al milímetro. Su madre, que trabaja incansablemente, quiere preparar a su hija para que “triunfe” en esta sociedad cuadriculada, desagradablemente seria y triste. Claro que no contaba con la influencia del extravagante vecino, un antiguo aviador que envía a la niña hojas de un cuento que está escribiendo. Naturalmente…, “El principito”.

La alta calidad de la animación utiliza texturas diversas para distinguir la película del cuento. Una opción que quizá despiste a los más pequeños pero que capta fácilmente la atención del espectador por la gran variedad de escenas que ofrece: muchas divertidas, otras de acción y algunas de gran emotividad. La música del oscarizado Han Zimmer redondea el conjunto de una cinta que se disfruta de principio a fin.

La versión original, siempre más recomendable, ha contado con voces de actores tan conocidos como Jeff Bridges, Rachel McAdams, Marion Cotillard, James Franco, Paul Giamatti o Benicio Del Toro.

Vale la pena acercarse a ver esta versión de “El principito”, que sí pasará a la historia del cine y que además contiene elementos educativos de gran interés: el cuidado de la naturaleza, el optimismo, la valentía, la preocupación por los demás, el fomento de la creatividad, la flexibilidad en las relaciones… Y, por supuesto, el amor a la lectura. De modo que la visión del film puede ser también un aliciente para volver a deleitarse releyendo el cuento original, recomendarlo a los más jóvenes, y redescubrir que “lo esencial es invisible a los ojos”.

domingo, 18 de septiembre de 2016

Un pimentero para comunicarse en familia

En este blog hemos comentado varios spots que muestran la conveniencia de moderar el uso de las nuevas tecnologías. La campaña "Desconectar para conectar" mostraba un mundo lleno de aparatos tecnológicos, una vida llena de intercpmunicaciones... y de seres humanos incomunicados. Y "Look up", el vídeo de un profesor de antropología, animaba a levantar la vista (del teléfono móvil) para ser capaces de mirar el mundo que nos rodea: las personas, la familia, los verdaderos amigos.

El problema, como sabemos, se agudiza en el contexto de la comunicación familiar. Muchos padres y madres han experimentado en sus carnes lo difícil que es reunir a los hijos para la cena cuando están concentrados en sus smartphones, en sus tablets, o viendo una serie en el televisor.

Dolmio, una empresa australiana de salsas para pasta, ha decidido poner remedio a esta situación. Para ello han creado un curioso pimentero que, con un simple giro, apaga todos los dispositivos electrónicos en varios metros a la redonda. Convencidos del éxito que tendría, lo regalaron a varias madres australianas y grabaron las reacciones con cámara oculta. El resultado fue mucho más eficaz y sorprendente que el que habían esperado. Las reacciones iniciales fueron explosivas, sobre todo en los adolescentes ("¡¡¡Se ha desconfigurado mi smartphone!!! ¡Estoy perdida...!"). Pero, casi inmediatamente, las comidas empezaron a ser gratas y enriquecedoras reuniones familiares donde todos tenían algo que contar, y todos aprendían también a escuchar a los demás.

Esta campaña ha requerido el trabajo conjunto de varias agencias: Clemenger BBDO Sydney, Pollen, Starcom y Ogilvy PR. El resultado es este divertido vídeo, que retrata la situación de muchas familias -no sólo las australianas- y que deja patente el problema de comunicación que existe en muchas casas. ¡Cuántas madres quisieran hacerse con un pimentero así...!

sábado, 10 de septiembre de 2016

El amor es ingenioso

Una vez oí esta expresión en labios de una persona sabia: "El amor es ingenioso". Con el tiempo, he podido comprobar la profunda verdad que encierran esas palabras.

Cuando alguien siente un verdadero afecto hacia otra persona (el marido hacia la mujer, la mujer hacia el marido; un amigo hacia su amigo, hacia su padre o su hijo) la inteligencia se agudiza, la imaginación se explaya. El amor da alas a la memoria, al ingenio y a la prudencia. Y se sabe cómo acertar, cómo agradar al otro.

En la historia que nos narra este spot, una mujer cualquiera que pasa por la calle se siente movida por la triste situación de un vagabundo. Su amor le lleva a ver lo que otros no ven, a calar en una situación lamentable que a otros les pasa inadvertida. Pero no sólo se percata: el amor, que es ingenioso, le lleva a dar con la clave para solucionar la indigencia de aquel hombre.

Cuando el afecto se enriquece con la imaginación, ¡qué energía tan grande se libera en nuestras mentes!, ¡qué capacidad descubrimos en nosotros para resolver los problemas de los que amamos!

En este anuncio descubrimos también el inmenso poder de las palabras. Con ellas podemos herir, difamar, destrozar, aniquilar la reputación de alguien... y también llevar a cabo las acciones más elevadas: alabar, educar, compartir, comunicar, instruir, ayudar, deleitar, dialogar... Y, sobre todo, amar. ¡Qué importante es que el amor se exprese también en las palabras, que sepamos siempre usarlas en beneficio de los demás!

viernes, 9 de septiembre de 2016

"Blanka": La niña que quería comprar una madre

(JUAN JESÚS DE CÓZAR).- Que una película lleve como título un nombre propio es siempre una declaración de intenciones. Además de señalar al espectador en qué personaje se centrarán los conflictos y el arco de transformación, le avisa sobre el punto de vista narrativo elegido para el relato. En este caso, el de una niña de 10 años llamada Blanka –la elección del nombre no es arbitraria– que malvive en las calles de Manila. Abandonada por su familia, sale adelante mediante pequeños hurtos y las limosnas que recibe. A raíz de una noticia de televisión se le ocurre una gran idea: ahorrará dinero para “comprar” una madre.

Esta premisa argumental va a permanecer como fondo de toda la historia que nos cuenta “Blanka”, una cinta que han coproducido tres países: Filipinas, Italia y Japón. Con gran sensibilidad, el director japonés Kohki Hasei nos entrega un film de corte social, conmovedor y realista, pero ha puesto mucho cuidado para evitar la seca dureza que pudiera traicionar el mencionado punto de vista infantil.

La labor de casting es todo un acierto. A la pequeña Blanka da vida la filipina Cydel Gabutero, que borda su papel como “niña de la calle” y nos sorprende además con su preciosa voz. Le acompañan Peter Millari (Peter), un auténtico músico callejero, y el niño Jomar Bisuyo (Sebastián). Con ellos mantendrá Blanka las conversaciones más emotivas, impregnadas de un lirismo aparentemente impropio de estos “perros callejeros” –así se autocalifica uno de los personajes–, pero indicativas del buen corazón que los tres poseen.

Con ellos recorreremos los suburbios de Manila de día y de noche, con sus luces y sus sombras. Encontraremos seres desvalidos dispuestos a ayudar y gente mezquina, bienestar y miseria, calor de hogar y abandono… De manera fugaz pero evidente se menciona también la labor de las religiosas con los huérfanos de esa gran ciudad. La cálida fotografía de Takeyuki Onishi contribuye sin duda a materializar este cúmulo de sensaciones y brilla especialmente en las escenas nocturnas.

Doblemente premiada en el Festival de Venecia 2015, y galardonada también en los Festivales de Friburgo y Kolkata, esta sensible y oportuna película se estrena en España el próximo 23 de septiembre.

jueves, 4 de agosto de 2016

Spot de P&G: Madres fuertes, atletas fuertes

En  este blog hemos comentado las campañas de P&G para los anteriores Juegos Olímpicos (“El Mejor Trabajo”, “Kids” o “Pick Them Back Up”). Son historias redondas, que se encuentran entre los spots olímpicos más vistos de todos los tiempos. Para los Juegos de Río 2016, ha lanzado una nueva campaña, “Strong”, que se construye sobre el storytelling de las campañas anteriores y que añade una nueva visión sobre el papel de las madres en la vida de los atletas.

Con un ritmo contenido, pero cada vez más vibrante, el vídeo narra el camino hacia a los Juegos Olímpicos de cuatro madres y sus hijos, mostrando situaciones de la infancia de esos atletas en los que la fuerza de sus madres marcó la diferencia para que pudieran estar en Río. Hoy, desde su apartamento en la villa olímpica, seguro que se acuerdan de ella con mucha frecuencia.

Yo no podría estar hoy viviendo mi sueño de competir en los Juegos Olímpicos si no fuera por mi madre” afirma la nadadora española Mireia Belmonte, que es también embajadora de la marca junto a su madre.

Strong” es obra de la agencia W+K Portland y ha sido dirigido por el director de Hollywood Jeff Nichols, entre cuyos trabajos se incluye la película “Midninght Special”, estrenada en mayo. La versión extendida de “Strong”, de 2 minutos de duración, ha recibido más de 20 millones de visitas en Internet, y en su versión corta se ha emitido en las televisiones de más de 30 países.

Como señala Marc Pritchard, Global Brand Officer de PG , “está campaña parte de una idea muy simple, pero muy luminosa. Y ella es que, detrás de cada atleta, hay siempre una madre increíble”.

viernes, 29 de julio de 2016

Genial spot en apoyo al equipo paralímpico británico

El canal de television ‘Channel 4’ ha lanzado un original y divertido anuncio en apoyo al equipo Paralímpico Británico de cara a la cita de Río 2016.

El corto se ha titulado "We're The Superhumans" (Somos los superhumanos) y en él puede verse cómo personas con discapacidades físicas son capaces no solo de ser excelentes en el deporte que practican, sino también en las actividades cotidianas, e incluso tocando un instrumento musical que muchos, sin tener ningún tipo de impedimento físico, no pueden hacer.

Si, la música es clave en este spot. La pegadiza canción se titula "I Can" (Yo puedo), y en todo momento subraya el valor y la capacidad de estas personas. Lo más sobresaliente es que la orquesta ha sido compuesta por los propios atletas. Y no se trata de una presentación "cursi" de estos atletas, sino de una ingeniosa y emocionante construcción de escenas y hazañas, con una rítmica melodía.

El video fue publicado el 14 de julio y en dos semanas ha logrado acumular más de 2.8 millones de reproducciones y más de 23 mil "likes".

Merece la pena verlo, como preludio a los Juegos Olímpicos de Río, que empiezan el próximo 5 de agosto.

"La clase de esgrima": floretes, sueños y esperanzas

(JUAN JESÚS DE COZAR).- Conectada históricamente con “1944” –film recientemente reseñado en este blog–, se acaba de estrenar en España esta coproducción entre Finlandia, Estonia y Alemania. Nominada este año al Globo de Oro a la mejor película en habla no inglesa y finalista también en la carrera hacia el Oscar, “La clase de esgrima” es una de esas cintas europeas en las que comercialidad y calidad se dan la mano.

A la exquisita dirección del finlandés Klaus Härö (“Cartas al Padre Jacob”, 2009) se suma una espléndida fotografía de Tuomo Hutri, fría y brumosa en los exteriores y saturada en los cálidos interiores. Redondea el conjunto una creíble ambientación y la emotiva banda sonora del alemán Gert Wilden Jr. Sin esta sobresaliente factura técnica, “La clase de esgrima” corría el peligro de ser considerada como una película más del género ‘maestro-discípulos con fondo histórico’… y no es así.

Año 1952. Ender Neils (Märt Avandi) llega en tren a Haapsalu, una pequeña localidad de la entonces República Soviética de Estonia. Quiere dejar atrás un pasado que el público conocerá gradualmente, y es contratado como profesor de un destartalado colegio que todavía conserva las huellas de la guerra. Sus alumnos, verdaderos héroes domésticos de unas familias castigadas por las infames purgas de Stalin, recuperarán la ilusión cuando Ender decida enseñarles esgrima. La trama se completa con la investigación sobre la vida anterior de Ender, la atractiva historia de amor que el protagonista vive con Kadri (Ursula Ratasepp) una de profesoras y los avatares del torneo de esgrima.

Con emoción contenida, característica del cine nórdico, “La clase de esgrima” nos presenta a unos personajes heridos en sus afectos más íntimos, que respiran un aire de sospecha y denuncia, pero que han sabido resistir y que conservan la esperanza. Una esperanza que el abuelo de Jaan (Lembit Ulfsak, el inolvidable protagonista de “Mandarinas”) transmite a su nieto en una conmovedora escena. La hermosa secuencia final eleva a Ender a esa categoría de profesor-padre (o profesora-madre) tan frecuente en el cine, y nos concede el final feliz que el espectador pedía a gritos.

Hay que decir que Ender Neils existió realmente. Fallecido en 1993, dos años después de la independencia de Estonia y de la caída de la Unión Soviética, el club de esgrima que creó aún existe hoy en día.

jueves, 7 de julio de 2016

El enfermo necesita, sobre todo, cariño


Cuando estamos enfermos, necesitamos algo más que un medicamento. Necesitamos muchas cosas, que no acertamos a expresar: cariño, comprensión, consuelo... Y, cuando esa enfermedad es larga y dolorosa, como en un cáncer, necesitamos apoyo, mucho apoyo. Ese es el mensaje de este precioso anuncio, que sorprende en su emotivo final.

El arranque describe un ambiente triste, en algún suburbio de una gran ciudad. ¿Una historia de drogas, robo, alcohol? Un adolescente, cubierto por un pasamontañas, vacía un spray de pintura sobre una vasta pared de ladrillos. Todo hace sospechar un graffiti desafiante, con algún mensaje descorazonador.

Pero en un instante todo cambia. El chico llega a su casa y, al quitarse al pasamontañas, advertimos su cara llena de bondad. La madre imagina que viene de hacer alguna diablura, pero él coge un ramo de flores y lo lleva a la habitación donde duerme su hermana, que –de repente lo descubrimos- está intubada y padece cáncer. El chico descorre las cortinas, despierta a la niña y le invita a mirar lo que ha creado para ella… La madre se emociona, y nosotros también…

Ciertamente, “It’s more than medication”. Es algo más que un medicamento lo que necesitamos en esa situación. Es el cariño. Eso es lo que nos hace vivir.

Buen mensaje para los tiempos que corren. Siempre queda la esperanza, y también el afecto de un hermano al que todos creían ya perdido

lunes, 4 de julio de 2016

"Buscando a Dory": Brillante secuela de Pixar

(JUAN JESÚS DE CÓZAR) Fundada en 1986, ha producido 17 largometrajes que han cosechado 16 premios Óscar, ocho Globos de Oro, 11 Grammy… Se trata de Pixar, la productora de referencia del cine de animación actual. El secreto del éxito de Pixar no está sólo en la deslumbrante calidad técnica de sus películas, ni en el enorme talento de sus creativos. El aspecto diferenciador hay que buscarlo en su filosofía empresarial: cohesión, colaboración, participación, libre comunicación, respeto y estima hacia los recursos humanos.

Pixar anima a sus trabajadores a llevar una vida equilibrada, a evitar la adicción al trabajo y a cuidar la dedicación a la propia familia, no sólo como estrategia para lograr un mayor rendimiento laboral sino porque pretende ser una empresa con rostro humano. El principal responsable de esta clarividencia antropológica es John Lasseter, miembro fundador de Pixar y actual productor ejecutivo. Por sus manos pasan todos los proyectos, de modo que los guiones, el diseño de personajes, el tipo de conflictos y el modo de resolverlos mantengan ese sello distintivo que se aprecia en todos los filmes de la compañía.

Este merecido prestigio convierte cada uno de sus estrenos en un acontecimiento mundial, ávidamente esperado por espectadores y exhibidores. Es lo que ha vuelto a ocurrir con “Buscando a Dory”. Esta secuela de “Buscando a Nemo” (2003) quizá no llegue al nivel de su predecesora, pero es algo que no parece importarle al público: los casi 400 millones de dólares recaudados en todo el mundo durante los primeros 10 días así lo atestiguan.

Dirigida también por Andrew Stanton y con música de Thomas Newman –que repite como compositor–, “Buscando a Dory” es una delicia que incorpora nuevos personajes originalísimos: un pulpo mimético, un tiburón ballena miope, una ballena con el sistema de ecolocalización estropeado, un pájaro despistado… Junto a ellos una genial Dory, que “sufre pérdidas de memoria a corto plazo”, y que quiere encontrar a sus padres con la ayuda del preocupón Marlin y su impulsivo hijo Nemo.

Todos estos seres imperfectos logran una “solidaridad marina” que ya quisiéramos los humanos. O quizá es precisamente eso lo que nos quiere transmitir la película: que la imperfección no es ningún problema y que la solución está en la actitud generosa.

Como es costumbre, Pixar nos regala al comienzo de la proyección el último cortometraje de la factoría titulado “Piper”: “inolvidable”, que diría Dory.